台湾には、老若男女に愛され、世界共通の言語となり得る音楽があるだろうか？「ソウル・ジェントルマン」Yufu が今年初めに初のソロアルバム『Heal Me Good』をリリースするまでは、ソウルミュージックがその答えの一つだとは誰も思っていなかったかもしれません。欧米の音楽評論家にとって、Yufu はソウルミュージックの真髄を見事に再現できる数少ないアジア系ミュージシャンです。音楽の文脈を深く探求する日本のベテランファンにとって、Yufu は人口減少に悩む古い村に突然芽生えた新たな希望のようです。そして、台湾の若い聴衆にとって、Yufu は音楽フェスのステージでシックな古着を身に纏う聴覚上の新しい寵児であり、彼は完全に独自のスタイルを確立し、純粋なグルーヴを聴衆の血管に打ち込みます。

驚くべきことに、Yufu は台湾で生まれ育ち、海外留学の経験はありません。彼はクラシック・ソウルへの純粋な愛情を探求し、世界中の人々が愛する作品を創造しました。『Heal Me Good』のリリースから1年足らずで、すでに4つの国・地域で異なるバージョンが発売され、彼は故郷の桃園から香港、北京、上海、東京、大阪、ハンブルクへとツアーを展開しました。そして今月初めには、第16回金音創作奨（Golden Indie Music Awards）で「最優秀リズム＆ブルースアルバム賞」を勝ち取り、アルバム同名曲「Heal Me Good」も「最優秀リズム＆ブルースソング」にノミネートされました。

Yufu のソウルの旅は幼少期に始まります。家族は英語学習を促すため、彼が自然に触れられるようにと、プラターズ（The Platters）やスピナーズ（The Spinners）といった有名なソウルグループの西洋音楽を大量に流しました。その美しくリズミカルな響きが、彼の心の奥底に種を埋めました。しかし、大人になった Yufu は、ソウルミュージックの奥深さに気後れし、このジャンルの創作をためらっていました。しかし、音楽キャリアで行き詰まっていた時、彼をどん底から救い出したのはやはりソウルミュージックでした。それはまるで前世の記憶からの呼びかけのように、遠くもありながら親しみやすく、最終的に Yufu はソウルミュージックの中に自身の使命を見出し、ソウルミュージックもまた Yufu という新世代の弟子を得たのです。

11月27日に Billboard Live TAIPEI で開催されるコンサート「The Grand Groove」を前に、Yufu は特別に彼のマネージャーである Brien John との対談に応じました。彼は、自身が見つめる古今東西のソウルミュージックの世界、理想を追い求める中での挑戦、そして将来の計画を明かし、同時に、すべての人にこの温かく躍動的な「The Grand Groove」に愉快な気分で加わるよう招待します。

Brien： 今年初めに初のソロアルバム『Heal Me Good』をリリースしましたが、内容は1974年のソウルミュージックのスタイルに焦点を当てています。一般的な音楽ファンはソウルミュージックが「全体として」どのように聞こえるかを知っているかもしれませんが、特定の時間軸で区切られると、それが何を意味するのか想像しにくいかもしれません。そのソウルミュージックの黄金時代をどのように表現しますか？もし私たちがその時代のアメリカに生きていたら、どのようなことを感じたでしょうか？

Yufu： 70年代について話すとき、いつも思い出すのは、あるドキュメンタリーの一場面です。ある午後に、多くの黒人家族が公園でピクニックをし、食べたり踊ったり、アメリカンフットボールをしたりしています。幸せで和やかな雰囲気の中で、誰もがクールでおしゃれに見えます。典型的なソウルの夜であれば、それはナイトクラブでの酒宴や熱狂、多くのスポットライトが当たる印象です。

70年代は音楽だけでなく、建築、家具などの芸術にとっても黄金時代だったと思います。視覚だけでも大きな違いがあります。70年代の写真を見ると、服であれ何であれ、色が非常に驚くほど魅力的です。第二次世界大戦後のベビーブームから新しい若い世代が誕生し、多くの特別な文化を生み出しました。非常に混沌として享楽主義に満ちた、矛盾した10年間であり、私を惹きつけます。現代の傍観者として見れば、当時の多くの問題を知っていても、やはりその時代に生きてみたかったと強く思います。

Brien： 70年代の人々が享楽を追求したという話を聞くと、多くの人がR&Bとソウルミュージックを享楽的で、セクシーなロマンスに重点を置いた音楽だと考えがちですが、実際はそうではありません。まず60年代のアメリカを振り返る必要があります。当時は希望に満ち、賑やかで明るかった。しかし、60年代後半になると、公民権運動が衰退し、二大指導者であるマーティン・ルーサー・キング・ジュニアとマルコムXが暗殺されました。同時に、多額の資金と人員を投入したベトナム戦争は敗北を重ねました。

大きな環境が暗闇に包まれる中、社会の一部の人はより過激な方法で自己表現することを選び、この過激さがソウルミュージックではファンクに、ロックではプログレッシブやサイケデリックな支流になりました。一方、別のグループは挫折と苦痛にもううんざりだと感じ、自己治癒を求め、甘いサウンドと叙情的なメロディを追求しました。これがソウルミュージックで言えばフィラデルフィア・ソウル、ロックで言えばジェームス・テイラーのようなフォーク弾き語りになりました。

Yufu： 実は70年代は私にとってまだ希望に満ちた時代です。ソウルミュージックについて言えば、その発展はより豊かで、ファンク、フュージョン、ソウルがありました。黒人コミュニティも、音楽を通じて社会に声を上げ、考えを共有できることを発見しました。むしろ60年代のレコード業界は商業性とエンターテイメント性を非常に重視し、音楽に社会的な問題を入れることを嫌がっていました。

Brien： 私たちは皆、その先鞭をつけたマーヴィン・ゲイに感謝すべきです。彼は元々レコード会社のテンプレート通りのラブソングの王子でしたが、次第に自身の意識と伝えたいメッセージを育んでいきました。彼のアルバム『What’s Going On』は、モータウン・レコード（Motown）に前例のない深さをもたらし、スティーヴィー・ワンダーなどの後輩にも影響を与えました。

Yufu： そうです、だから音楽の中で社会的な問題を議論することは、私にとって非常に感動的なことです。それに加えて、70年代のソウルミュージックは、当時の進んだ音楽技術、より多様な音楽要素を表現しており、この10年間のサウンドを作り上げました。

Brien： 『Heal Me Good』は、台湾史上初めて完全にクラシック・ソウル・スタイルで制作されたアルバムだと思います。今年初めのリリースから現在まで、約1年が経ちましたが、台湾の音楽ファンはどのような反響を寄せてくれましたか？

Yufu： 私は以前、サイケデリック・ロックのバンドで活動していましたが、当時のファンと今のファンは全く異なる層です。どこにいても、ソウルミュージックのファンはいつも私を温かく迎えてくれると感じています。以前、沖縄のソウルバーに行った時、オーナーが「日本のソウルミュージックの世界では、誰もが平等で階級制度はない」と教えてくれました。

台湾のファンは日本のファンほど深く聴き込んでいるわけではないかもしれませんが、多くの人にとっては初めて聴く音楽です。ソウルミュージックを作り始めて約3、4年になりますが、このアルバムが出てから、多くのファンが興味を持ち始め、ソウルミュージックをもっと知りたいと思ってくれているのを感じています。中には、それを通じて70年代の音楽を探求し始めた友人もいて、私はとても感動しました。全体的な反響は非常に肯定的で、ファンク、ブギー、ディスコミュージックにこれほど多くの人が興味を持っているとは思いませんでした。

Brien： 私たちはしばしば、ある種の音楽ジャンルは古すぎる、時代遅れだと考えがちですが、多くの若いファンにとっては初めて聴くものであり、時代遅れという概念は存在しません。彼らの耳にはそれが新しいものとして響くのです。

Yufu： そうですね、良い音楽であれば、どの時代のものでも人を魅了します。

Brien： では、あなたがパフォーマンスをしている時、ステージから見下ろす観客はどのような光景ですか？当初の予想通りでしたか？

Yufu： 台湾の観客は比較的シャイだと思っていましたが、私たちのライブに来る皆さんはインタラクションに非常に積極的で、これもまた驚きです。私はパフォーマンス中、目をあまり開けないことが多いのですが、後でライブ写真を見ると、皆さんの表情が非常に積極的で好奇心に満ちているのを感じます。

このアルバムのおかげで、より多くの台湾のミュージシャンと知り合うことができました。彼らもこの種の音楽に強い関心を持っており、交流できる仲間が増えています。また、海外で公演を行い、異なる国で現地のバージョンをリリースしたことも、台湾でより注目されるようになった一因かもしれません。

Brien： あなたにとって、良いソウルミュージックとはどのようなものでなければなりませんか？

Yufu： 良いソウルミュージックは、非常に正直であることが必要です。商業的であっても構いませんが、創作や歌唱において自分自身を正直に表現しなければなりません。例えば、先ほど話した社会的な問題を議論する曲のようにです。社会に対して、そして自分自身に対して、より多くの反省の念を持つこと、これが私が追求しているものです。

私の作曲方法は少し特別で、社会で起こっていることを映画に変換して切り込むことが多いです。以前は商業的なものや恋愛ものを書くのがあまり好きではありませんでしたが、このアルバムでは、もう少し聴きやすい曲を書きたいと思い始めました。これが私にとって比較的正直な創作方法です。

歌唱についても、技巧を誇示するのではなく、元々の正直な声を保ちたいと思っています。マーヴィン・ゲイ、カーティス・メイフィールド、あるいは最近私が好きなリトル・ビーバー（Little Beaver）のようなマイアミのミュージシャンたちのようにです。多くの人がマーヴィン・ゲイの歌い方は非常にシンプルで、技巧的な歌手ではないと評します。彼の創作もテーマが非常に明確に表現されています。これが私が創作で追求したいことです。レコーディングに関しては、よりアナログなサウンドを追求したいと思っています。この考え方はロマンチックだと言われることもありますし、「アナログは単に高音域を削っただけだ」と誇張する人もいますが、私にとってそれはクラシックなレコードのサウンドそのものです。当時の機材を使ってレコーディングしたいと思っています。このアルバムではまだ完全には達成できていませんが、次作では100％アナログを目指したいです。

Brien： その話題に沿って、ソウルミュージック、そして正直さを追求する過程で、あなたが直面した最大の課題は何でしたか？

Yufu： 文化的には、もちろん私には黒人文化の背景はありません。私は自分の考え方で想像し、それを現在の形に投影しています。実際、今の若い黒人ミュージシャンの多くも70年代の背景を持っているわけではないと信じています。それは50年前のことですから。私はただ、自分が感じた感動を純粋に再現し、自分の音楽の中で表現しているだけです。肌の色や背景の問題については深く考えませんが、私がしていることは100％この文化への敬意と賞賛から来ており、この文化を利用して利益を得ようとしているわけではないと思っています。私はこの文化の学習者であると自認しています。

私は多くの音楽を聴き、研究し、例えば当時のミキシングエンジニアは800ヘルツの音を少し持ち上げたり、位相を極端な左右に置いたりするなど、非常にクラシックな手法を学ぶ必要があります。技術的な側面は常に最も困難ですね。特に台湾では私一人しかこのようなことをしていないからです。もしアメリカであれば、現地のシーンがあり、誰かと一緒に研究したり、お互いに影響を受け合ったりするでしょう。このアルバム制作中、ベーシストの阿耀だけが私が何をしようとしているのか比較的理解してくれましたが、彼が好きなのは70年代後半のサウンドで、私とは少し異なります。

台湾で昔のテープマシンを見つけるのはそれほど難しくありませんが、修理できる人を見つけるのは非常に困難です。ちょうど私のテープマシンが壊れてしまったので、最終的には半分デジタルで完成させるしかありませんでした。しかし、アルバム全体を通して、私は多くのことを学びました。次作では70年代初期のサウンドを目指したいと思っており、それにはまた新たな挑戦があります。

Brien： ブラックミュージックは常に文脈と伝統を重視しますが、あなたは自分が感じた感動を再現していると述べました。もしファンがあなたをより深く理解したい場合、どの5枚のアルバムを聴くことを勧めますか？

Yufu： 1枚目は、ウィリー・ハッチ（Willie Hutch）の**『Soul Portrait』**（1969年リリース）です。ウィリー・ハッチは70年代以降、よりソウルファンクの方向に進みましたが、このアルバムは一般的に過小評価されていると思います。非常に温かく、ソウルに満ちています。彼はサム・クック（Sam Cooke）の歌い方を継承しつつ、独自の音階を加えています。これは聴き逃せないアルバムです。

マーヴィン・ゲイ（Marvin Gaye）の**『What’s Going On』**（1970年リリース）は、ソウルミュージックにおいて欠かせない、社会を映し出した満点の傑作です。このアルバムは隅々まで芸術であり、「ソング・サイクル（連作歌曲）」という創作手法で全曲が繋がっています。私にとって非常に意味深く、多くの不安な夜を癒してくれました。

次は、アル・グリーン（Al Green）の**『I'm Still in Love with You』**（1972年リリース）です。アル・グリーンはここ数年で最も好きな歌手で、もちろん最も有名な『Let's Stay Together』も大好きですが、このアルバムの曲が特に愛おしいです！Hi-Records レーベルのプロダクションとレコーディングのサウンドは非常に特殊で、ソウルミュージックの中でも独特の存在感があります。彼の内向的でありながらワイルドで、繊細でありながら時に即興的な歌い方は、ソウルミュージックの殿堂で最高の歌唱だと私は思っています。

4枚目は、リトル・ビーバー（Little Beaver）の**『Party Down』**（1974年リリース）です。リトル・ビーバーは極度に過小評価されているマイアミのソウルシンガーソングライター兼ギタリストで、このアルバムはホームパーティーというテーマ性が非常に強いです（これもソウルミュージックによくある楽しさです）。彼はここで驚くべきブルースギターの演奏とワウワウ（wah wah）エフェクターを使用し、リズム面ではマイアミの風味（当時、地理的な関係でキューバのリズムと融合していた）を加えています。非常に珍しい作品で、私に多くのインスピレーションを与え、私の作品に深く影響しています！

最後は、ジョージ・ジャクソン（George Jackson）の**『George Jackson In Memphis 1972-1977』**（2009年リリース）です。ジョージ・ジャクソンは、私が最も長く聴いているソングライターであり、極めて人間味あふれるソウルシンガーソングライターです。彼のサザン・ソウルは誰をも感動させることができます。私が推薦する5枚の中で、ジョージ・ジャクソンが最も過小評価されています。彼の作品はソウル、ブルース、60年代のロック、ファンク、ディスコと多岐にわたりますが、私もかつてこれらの音楽シーンでバンドを組んでいたため、彼と特に音楽的な繋がりを感じています。

Brien： 2025年の今でも、世界にはあなたのようにクラシック・ソウル・スタイルで創作している人がたくさんいます。現代のシーンについて紹介していただけますか？

Yufu： 台湾にはこのシーンがないので、海外をずっと探していましたが、他の音楽ジャンルほど規模は大きくないものの、世界各地にまだこのようなサウンドがあることを発見しました。

アジアでは、やはり日本が最も活気があります。彼らの量販店やスーパーに行くだけで、ソウルミュージックが頻繁に流れているのを耳にします。日本にはシティ・ポップなどの文化背景があるため、彼らの現代音楽には少しソウルミュージックの影が残っています。クラシック・ソウル・シーンについては、やはりアメリカに言及しなければなりません。ニューヨークには、私が尊敬する素晴らしいレーベルがいくつかあります。Colemine Records、Big Crown Records、そして Daptone Records です。この中で最もよく知られているのは Daptone Records でしょう。エイミー・ワインハウスのクラシックアルバム『Back to Black』が彼らのスタジオで録音されたからです。その後、一部の人々がカリフォルニアで独立し、チカーノ・ソウル（墨裔ソウル）を専門とする Penrose Records というレーベルを設立しました。

現在のソウルミュージックシーンは、主に1965年から1970年の期間と、1976年から1985年の期間を再現していますが、私のように1974年のサウンドを作っている人は比較的少ないです。

ヨーロッパでは、まずイギリス発祥のノーザン・ソウル（Northern Soul）シーンに言及する価値があります。これはすでに50年間続いています。当時のイギリスの若者が、アメリカの一部のマイナーでアンダーグラウンドなソウルミュージックを発見し、非常に興味深いDJ競争とダンス文化を形成しました。彼らは皆ソロで踊り、自分自身に向かって踊るため、ダンスフロアには秩序がなく、誰もが自分のステップで踊っています。それは自分を解放し、フィットネスをするような感覚で、ソウルミュージックから派生し、サブカルチャーから主流文化になったものです。このノーザン・ソウルのシーンは後にドイツ、フランス、オランダへと広がり、最初のイギリスと合わせて、これら4カ国が今でも最も盛んで、素晴らしいクラシック・ソウル・シーンを維持しています。

レーベルで言えば、イタリアには Record Kicks があります。そして、オランダには私のアルバム『Heal Me Good』をリリースしてくれた Zip Records があります。フランスについては、彼らは70年代から強力なファンクとディスコを持っています。私は継続的に多くのヨーロッパのファンから「いつ公演に来るのか」というメッセージを受け取ります。これは以前にはなかったことです。彼らはどの店で私の音楽を聴き、直接レコード店に行ってアルバムを買ったかを熱心に共有してくれます。これはこのコミュニティの温かさを示しています。だからこそ、私も彼らの店やシーンを訪れ、サポートしたいと思っています。アジアのインディペンデントなソウルミュージシャンでは、現在、雲南の Dizkar、インドネシアの Thee Marloes がいます。オーストラリアにも多くの素晴らしい作品があります。アルバムを作る前は、ソウルミュージックは非常にニッチだと思っていましたが、完成させて初めて、世界中でソウルミュージックを作っている人が増えていることを知りました。将来、もっと多くの人がソウルミュージックを一緒に楽しんでくれることを願っています。

Brien： 9月にドイツのリーム・リーパーバーン・フェスティバル（Reeperbahn Festival）で公演し、また日本版『Heal Me Good』のリリースに伴いタワーレコードでインストアサイン会を行いましたが、当時の体験を共有してもらえますか？

Yufu： ドイツのリーム・リーパーバーン・フェスティバルはハンブルク市中心部にあり、私が参加した中で最も大きな音楽フェスティバルだと思います。幸運にも満員御礼で、私の音楽にこれほど多くの人が興味を持ってくれたことに驚きました。ヨーロッパの観客は非常に熱心でした。また、Big Crown Records 所属のオーストラリアのバンド Surprise Chef のパフォーマンスも見ましたが、彼らは純粋なソウルミュージックとは言えませんが、私にとって現場で観る最もソウルミュージックに近いパフォーマンスでした。

私はこれまでソウルミュージックのライブパフォーマンスを見たことがありませんでした。崇拝するミュージシャンはほとんど亡くなっているため、ライブアルバムを買って聴いたり、YouTubeで過去のコンサート映像を探したりするしかありません。皆さんに「Midnight Special」というチャンネルを購読することをお勧めします。これは元々70年代のテレビ番組でしたが、最近、当時のフィルムがすべてデジタル化されてYouTubeにアップロードされており、当時のシーンを追体験できます。

日本については、他の場所とは全く違うと感じました。見に来てくれたのは非常にベテランのソウルミュージックファンばかりで、美声グループ「ゴスペラーズ」のリーダー村上さんも来ていて、本当に驚きました。彼はあんなに有名なミュージシャンなのに！台湾のファンが新鮮な感覚で私を見ているのに対し、日本のファンは「ついに私たちのシーンに新人が現れた」という態度で、私に多くの期待を寄せてくれ、その期待に応えたいと思わせてくれました。いくつかのソウルバーにも立ち寄りましたが、オーナーに顔を覚えてもらえており、彼らが古い音楽だけでなく、現在の音楽もサポートしていることが分かりました。このコミュニティの温かさを感じました。

Brien： 来年3月に日本に移住する予定ですが、今回の Billboard Live TAIPEI での公演は、それ以前の台湾での最後の単独ライブになるでしょう。日本への移住を決めた理由を教えていただけますか？

Yufu： あそこにはとてもクールなシーンがあると感じており、行って学び、彼らと交流したいと思っています。神戸に引っ越す予定で、地元のファンはそこが日本のソウルミュージックの指標的な都市だと話しています。イギリスのノーザン・ソウルの文化的背景があるそうで、これは私にとって非常に魅力的です。この機会にコンフォートゾーンを離れ、自分自身を刺激したいとも思っています。

Brien： 最後に、Billboard Live TAIPEI での公演が近づいていますが、どのような素晴らしい内容になるか少し教えていただけますか？

Yufu： 70年代のライブパフォーマンスの雰囲気を再現したいと思っています。特にこの日本から来た新しい会場では、音響と品質は間違いありません。食事を楽しみながらの体験が特にユニークだと思いますし、私も次回は客として参加してみたいくらいです。私が想像するのは、現代のキャバレー（Cabaret）パフォーマンスのようなものです。観客は体験を楽しみ、私たちはより洗練された完全なパフォーマンスを提供しつつ、純粋なグルーヴをたくさん残します。だからこそ、今回のパフォーマンスを「The Grand Groove」と名付けました。皆さんに、快適でありながら通常のライブとは全く異なる体験をお届けできると信じています。