Yufu Taipei 2025.11.27

Billboard Taipei に足を踏み入れた瞬間、目に飛び込んでくるのは、ステージを彩る無数の装飾、景観植物の鉢、吊り下げられたランプ、そして 1980 年代に日本で製造された UD-990 マイク。その光景はまるで 70 年代アメリカのデパート家具カタログを思わせる。戦後のベビーブームによる経済成長を背景に、60〜70 年代のアメリカは芸術・音楽・思想が爆発的に花開いた時代だった。

Yufu とそのバンドは、まさにその時代の “calling” に応えるように、視覚から空気感まですべてをその美学で統一し、観客を 70 年代への時間旅行へと誘う。ここでは、観客は丁寧に、惜しみなく包み込まれるようにもてなされる——そんな空間が広がっている。

カウボーイハット、ベルベットのシャツ、フレアパンツに革靴——
Yufu とバンドメンバーはゆっくりとステージへと歩み出す。テーブルに灯された小さなキャンドルが彼らの横顔を照らし、その淡い光は暗闇の中でどこか曖昧な色気を帯びて揺らめく。四方から集まった、長くその瞬間を待ち続けてきたファンたちは、ついに音が始まる瞬間を迎えた。

言語の壁を軽々と越え、時代さえ飛び越えて響く音楽。
Yufu を知る者なら誰もが理解している——彼の創作は紛れもない“本格派”だと。

そして私たち聴き手は、2025年という現実からそっと離脱する、壮大な“逃避行”へと誘われていくのだ。

ライブの幕が上がると同時に、観客の熱狂的な歓声が渦を巻く。Yufu は Wah-Wah ペダルを踏み込みながらコードをかき鳴らし、バンドが一斉に〈Are You Elevated?〉へと雪崩れ込む。本編と同じく新作『Heal Me Good』の冒頭を飾る一曲だが、スタジオ音源とは明らかに異なるアレンジが施され、Yufu がオーディエンスを彼自身の世界へ導くための余白が丁寧に用意されている。

サウンドは時にグルーヴィで、時にサイケデリックに揺れ動く。〈3rd Dose Of Your Mystic Drug〉では Motown の面影を宿したミッドテンポの楽曲へと展開し、キーボードの Jeremy はシタール風の音色を織り交ぜながら、時折クラシックなオルガンへと切り替え、まるで「空気の執事」のように場の温度を整えていく。

前半のダンスナンバーとは対照的に、演奏はより幻想的で内面へと沈降する精神世界へと没入させる。幾層にも積み重なる音像が突如として速度を変え、まるで谷底へと落下するかのような感覚に襲われた瞬間、眼前にはより広大な景色が開けていく。

ドラマーの Tootle と、ベース／コーラスを担う Rhug は、曲間においても欠かせない存在だ。Yufu とバンドは楽曲同士をつなぐトランジションを巧みに構築しており、その中でリズム隊は、前へ出るべき時と引くべき時を冷静に見極める役割を担っている。曲が終わった後の MC でグルーヴを絶やさず支えたり、演奏中にダイナミクスを細やかにコントロールし、観客と対話する他のメンバーが個性を輝かせるための“余白”をさりげなく作り出すのだ。

新加入のパーカッショニスト Carlos も、随所でその精緻な演奏能力を垣間見せる。ジャズやキューバ音楽を学んだ彼は、テクニックだけを誇るタイプではなく、文化的背景や文脈を深く尊重する音楽家だ。終演後、彼はこう語ってくれた。「Yufu は当時の文脈にとてもこだわるから、曲ごとに選ぶ楽器も綿密にデザインされているんだ。」

〈Warm Fuzz〉は、アルバム『Heal Me Good』以前から存在する Yufu の代表的な楽曲の一つで、耳に残るフックが際立つ。冒頭、爆発的で粘りつくようなファズ・ギターが空気を切り裂き、一気にステージの温度を引き上げる。続く〈Tomorrow〉では、ドラマー・Tootle が粒立ちの良いビートを刻み、前半のハイライトとも言えるタイトでエネルギッシュな一曲へと導く。まさに「ここから本番が始まる」と告げるように、会場の空気はさらに沸き立っていった。

〈I Got A Taste Of My Own Medicine〉で歌われる
“The love and hate is just a losing game, I know I made a huge mistake”
という一節は、男女が行き交い、都市のナイトライフが渦巻く台北の中心で聴くと、より鮮明で切実な響きを帯びる。街の熱気と人々の思惑が交錯する中、楽曲はまるでそこに潜む感情の陰影を照らし出すかのようだった。

彼らのパフォーマンスは一貫して滑らかで、数多くの現場を経験してきたことが手に取るように伝わってくる。フェスから商業イベントまで、観客が誰であろうと、自らのスピリットをきちんと届ける——それは音楽家として不可欠な資質であり、Yufu とバンドはまさにその力量を体現していた。

Yufu は軽やかで品があり、そしてどこかスタイリッシュな語り口でメンバーを紹介していく。その声さえも音楽の延長線上にあるかのようだ。「僕たちのライブは毎回違うんです。他のセットもぜひ観に来てください。毎回“ちょっとずつ”違いますからね！」と語った直後、メンバーたちは次々に即興演奏を繰り広げ、互いに呼応しながら、自由と構築性の絶妙なバランスで会場をさらに高みに押し上げていく。

そして最後のアンコールでは、〈Never Can I Say Goodbye〉——そう、あの Michael Jackson の所属していた Jackson 5 のカバーを披露。観客が「アンコール」を叫ぶ時間すら無駄のない、実にキレのある幕引きだった。

音楽面において、Yufu は多様な要素を自在に操る。今年ついにファースト・アルバムを発表した彼だが、「台湾からこれほど深みのあるソウル・ミュージックが生まれる」という事実を世界へ示すのは、これが初めてではない。ソウル、サイケデリック、ファンク、ディスコ、そしてジャズ——その語彙を熟知する彼は、これまで数々の音楽プロジェクトに参加し、時には主導しながら、独自の音楽観を磨き続けてきたのである。

多くの人は、Yufu を「チルな空気を生み出す音楽家」に過ぎないと誤解するかもしれない。だが実際には、彼が扱うこれらのジャンルは、もっと切実で激動の背景を持っている。ソウル、サイケデリック、ファンク、ディスコ、ジャズ——これらが誕生したのは、精神性への渇望と社会正義の追求が入り混じった 60〜70 年代。平和を掲げながらも戦争や武装革命が同時に起き、音楽は癒しであると同時に、啓蒙や自己表現、人種的包容、さらに異国的神秘へのまなざしを象徴していた。

それは、意識の拡張が真剣に問われ、近代思想の多くが芽吹いた“黄金の時代”でもある。そんな時代を深く愛し、その精神を 2025 年に再び描き出そうとする音楽家がどれほど貴重で、そしてどれほど孤独であるかは想像に難くない。だからこそ、彼と観客の間に生まれる共鳴はひときわ尊く、特別な輝きを放つのだ。